Spielberg si affida a due veterani come Tom Hanks, che interpreta Ben Bradlee, caporedattore del “Washington Post”, in passato molto legato a J. F. Kennedy, e Meryl Streep, nelle vesti della proprietaria del giornale-azienda Katharine “Kay” Graham, alle prese con i problemi finanziari e con le critiche di chi non la ritiene in grado del ruolo da lei ricoperto. L’opera narra di come i governi statunitensi, a cavallo fra il 1966 e il 1971, pur consapevoli che le proprie milizie non avevano alcuna chance di uscire vittoriose dalla tanto odiata guerra del Vietnam, si ostinavano a proseguire la campagna militare. Trasformandola in un massacro dei giovani americani. Questo fin quando Daniel Ellsberg, ex militare ed economista, non divulga i documenti relativi al sopracitato conflitto armato, i “Pentagon Papers”, attraverso le penne del “Times” prima, e del “Post” poi.

Il regista lascia emergere l’ipocrisia di intere classi dirigenti, di presidenti più o meno amati degli USA, e il disinteresse dei potenti che, pur di evitare al Paese una publica umiliazione, preferiscono occultare dati tanto oggettivi quanto sconvolgenti, mandando migliaia di vite umane, comprese quelle dei propri fratelli e dei propri figli, allo sbaraglio. I protagonisti si appellano al primo emendamento della costituzione americana, il quale riconosce “libertà di parola e di stampa”, con il quale, come dice Tom Hanks, il presidente Nixon si pulisce il fondoschiena (ma non dice proprio “fondoschiena”…). Si mettono in gioco lottando contro il potere, ed in particolare contro il presidente “cattivo”, Nixon, per far emergere la Verità. Ed infine fanno valere la loro libertà nell’unico modo possibile : publicando.

“The Post” ci ricorda l’importanza dell’informazione. Ci rammenta che il quarto potere deve essere autonomo e al servizio del popolo. “La stampa serve chi è governato, non chi governa”, afferma la Corte suprema degli Stati Uniti assolvendo i protagonisti della vicenda.
Di tali insegnamenti è stato grande Maestro Indro Montanelli, quando nel 1994 abbandonò “Il Giornale”, di cui egli stesso era fondatore, in seguito all’ avvento in politica del suo proprietario, nonché leader di Forza Italia.
La verità appartiene a tutti. Se non c’è informazione, non c’è verità. Se non c’è verità, non c’è libertà. E in democrazia il popolo deve essere informato. E quindi, libero.

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Ginny sognava di diventare attrice e, nonostante avesse ormai riposto le proprie speranze, sembra risorgere, mentre parla dei suoi errori, seduta in spiaggia con il suo amante, Mickey, illuminata da una luce (di un immenso Vittorio Storaro, direttore della fotografia che impreziosisce la pellicola) che la rende per un attimo, ma solo per un attimo, una persona nuova.
Woody torna al dramma, il dramma puro (in stile “Un tram che si chiama desiderio”), questa volta non smorzato (come al solito) dalla sua ironia tagliente, dalle battute di spirito. Ci parla di fallimento, di illusioni, di sogni infranti. Lo aveva fatto in “Blu Jasmine”(2013), e ancora prima in “Interiors” e “Un’ altra donna”. In questo film raggiunge un picco di struggimento e sofferenza, delineando un personaggio che sembra discendere dalla Medea di Euripide, che distrugge se stessa e chi le è vicino. Ginny è “consumata dalla gelosia”, continua a mentire a se stessa per essere felice, ma il Fato, vero motore dell’intera vicenda, non avrà pietà di lei.
“Non venire mai al mondo, può essere il più grande dei doni”. Così disse Sofocle; e lo dice anche lo stesso Allen in “Match point”. Lui ci crede veramente e cerca di convincere il pubblico, questa volta più di altre, proprio eliminando (quasi) del tutto l’elemento comico.

Dirigere un film all’anno rende più difficile costruire trame particolarmente avvincenti, questo è innegabile, ma è anche vero che quando è riuscito a sviluppare determinate intuizioni, Woody, ha realizzato veri e propri capolavori. E poi, nonostante abbia superato gli 80, continua ancora a rinnovarsi e a spaziare da un genere all’altro come se fosse nel pieno della carriera (e degli anni). Peculiarità dei geni. Noi possiamo solo sperare nel genio ed aspettare. Perché Woody Allen è imprevedibile e ha sempre un messaggio per il pubblico. Come lui stesso dice: “in conclusione, vorrei avere un qualche messaggio positivo da trasmettervi. Ma non ce l’ho. Vi accontentate di due messaggi negativi?”. Accontentiamoci.

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“Robert De Niro si butta nel film e nel ruolo assumendo la personalità del personaggio con la stessa naturalezza con cui uno potrebbe infilare un cappotto, mentre Clint Eastwood indossa un’armatura e abbassa la visiera con uno scatto rugginoso” – disse Sergio Leone, che lo diresse in “C’era una volta in America” – “Bobby, prima di tutto, è un attore. Clint, prima di tutto, è un divo. Bobby soffre, Clint sbadiglia”. Versatile, espressivo, istrionico. Un cineasta a tutto tondo: oltre che interprete, è stato anche regista e produttore, nonché fondatore del “Tribeca film festival”. Massimo esponente del metodo Stanislavskij; maniacale, quasi fanatico nella ricerca del punto di contatto fra il proprio mondo interiore e quello del personaggio. Capace di ingrassare 30 kili, mettendo a repentaglio la propria salute, per mettere in scena un Jake La Motta in declino, nel capolavoro scorsesiano “Toro scatenato”, e dando vita ad una delle più grandi performance di sempre. Ha preso parte ad ogni genere di film, dal dramma all’ action movie, dalla commedia romantica all’horror, pur legando indissolubilmente il proprio nome al genere gangster. E poi, sempre convincente; nelle vesti di protagonista assoluto o comparendo soltanto in poche scene (pensiamo al “suo” Al Capone ne “Gli intoccabili”), quando interpreta uno psicopatico o un malato, un padre di famiglia o un killer senza scrupoli. Quando piange nel “Cacciatore” e quando ride, quasi con gli occhi, nel finale di “C’era una volta in America”. Ha lavorato con i migliori registi, tra gli anni ’70 e ’80, prendendo parte alle pellicole più influenti dell’epoca: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, Sergio Leone, Bernardo Bertolucci, Micheal Cimino. Ma soprattutto l’amico Scorsese. E non solo. Perché De Niro, semplicemente, era il migliore, in quegli anni. Era una certezza. Come lo era stato Marlon Brando per la generazione precedente, ma senza le manie da divo che contraddistinsero quest’ultimo.

Il successo fu immediato e a meno di 40 anni poteva già vantare due premi Oscar e l’accesso all’Olimpo dei più grandi attori in assoluto. Eppure dopo il ventennio che si protrae dall’inizio degli anni ’70 fino a “Casinó” del 1995, inizia una fase segnata dal graduale abbandono dei personaggi complessi psicologicamente che avevano caratterizzato la sua lungimirante carriera, prediligendo ruoli marginali, film commerciali, commedie (anche poco brillanti) e mediocri action movie, concentrandosi sulla produzione e su altre attività al di fuori della recitazione. Una domanda sorge a questo punto spontanea: perché? Perché rifiutare ruoli di un certo spessore e preferire la quantità alla qualità? Per mancanza di stimoli (e di amor proprio…)? Forse. O forse la presa di coscienza di aver dato tutto ciò che poteva, di non essere più lo stesso. Eppure soltanto nel 2013 ha ricevuto l’ultima nomination al premio più ambito per “Il lato positivo”. La soluzione che persuade maggiormente coincide, forse, con quella più romantica. Bobby è un nostalgico. Sa di non aver dato tutto ciò che poteva, ma sa di aver dato il meglio. Bobby sa di poter ancora essere un grande attore, ma non il più grande, non il migliore. Non più. Sa che le grandi pellicole del periodo della “Nuova Hollywood”, conclusosi negli anni ’80, fanno parte del passato e che, superati i settant’anni, non si è più adatti ad impersonare il sociopatico di Taxi Driver oppure un giovane gangster. È consapevole che è terminato il suo ventennio. Il ventennio in cui Hollywood tremava sentendo il suo nome. Robert De Niro. L’attore che tutti i registi volevano dirigere, con cui tutti volevano recitare. L’attore di cui tutti i film hanno bisogno. Uno che non recitava di soffrire. Soffriva.

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Purtroppo gli ultimi lavori del regista americano, quali ‘Big Eyes’, ‘Dark Shadow’ e i due ‘Alice in Wonderland’ avevano lasciato gli amanti del vero Burton a bocca asciutta, quasi preoccupati che questa nuova ricerca di uno stile diverso ma affine, lo avesse portato a perdere di vista se stesso con un inevitabile fatica ad infondere negli spettatori quelle tipiche sensazioni caratteristiche che sono parte integrante delle sue pellicole.

Burton, però, non si arrende, come potrebbe dopo capolavori come ‘Sweeney Todd’, e nel 2016 torna nelle sale cinematografiche con il film: ‘Miss Peregrine-La casa dei ragazzi speciali’. Storia, quella di Miss Peregrine, tipicamente burtoniana che racconta le avventure di Jake (Asa Butterfield), adolescente di Miami caratterizzato da due grandi, quanto malinconici occhi blu.

La morte del nonno e la velata consapevolezza che ha Jake di non appartenere al mondo “normale” lo spinge in una piccola isola del Galles alla ricerca di un gruppo di bambini dai talenti speciali che vivono in una casa diretta da una misteriosa direttrice, Miss Peregrin ( Eva Green). L’incontro con una bambina di nome Emma,cattivi che si fingono buoni, mostri mangia occhi, portali temporali sono solo alcuni degli elementi presenti nel film di Burton e che cambieranno per sempre la vita di Jake.

Nell’insieme è un film gradevole con caratteristiche originali che nonostante la quantità di colpi di scena riesce comunque a presentarsi allo spettatore con una certa linearità conducendolo a un finale che non lascia niente di non detto o in sospeso.

Ciò che col tempo pare stia tristemente venendo meno sono però le atmosfere, quella fiamma che rendeva i film di Burton tali che pare si stia spegnendo a poco a poco.

E’ così che il regista in mancanza dei suoi punti di riferimento ai quali aggrapparsi si affida a una sorta di usato garantito dando vita a un cliché cinematografico senza infamia e senza lode. E’ una situazione complicata nella quale incappano solo quei cineasti che hanno lasciato un segno, e Tim Burton è senza ombra di dubbio uno di questi. Miss Peregrin, purtroppo, non rappresenta ancora la risposta che il regista stava cercando per riuscire a ritrovare dentro di se ciò che rendeva egli stesso un ‘bambino speciale’ e di cui noi non possiamo far altro che aspettare il ritorno.

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Nell’universo del regista napoletano ogni personaggio risulta essere di una singolarità eccezionale, a tratti ironico, ma con una profondità caratteriale e visiva di primo ordine (grazie anche alle eccellenti prove del cast): il napoletano Voiello (Silvio Orlando,) Segretario di Stato appassionato di finanza e potere almeno quanto di calcio, la direttrice dell’orfanotrofio e madre spirituale Sister Mary (Diane Keaton), figura di assoluta stima e fiducia del giovane papa, insieme con il severo ma comprensivo cardinale Spencer, padre spirituale e contendente alla più alta carica dello Stato Vaticano insieme a Belardo.

E questo solo per citarne alcuni: infatti Sorrentino costruisce una trama avvolgente intorno a questi e ad altre figure rilevanti in diverse situazioni che si ripercorrono durante gli episodi: dal caso del millantatore Tonino Pettola, alla missione in Africa con l’ambigua suor Antonia, al caso di pedofilia nella diocesi di New York. Il tutto condito da costanti ma brevi attimi di “manifesta” santità di un papa che, episodio dopo episodio, si mostra nella figura tanto carismatica quanto fragile, tipica delle figure di potere del mondo sorrentiniano. Personaggio che si nutre di attimi dirompenti e scene memorabili, così come per tutta la durata della serie, ogni singola apparizione dei diversi comprimari (per citare alcuni il nostro primo ministro interpretato da Stefano Accorsi o quello della Groenlandia) da spunto a riflessioni potenti e visionarie nella mente di Pio XIII, toccando temi come quello degli omosessuali nella Chiesa e dell’aborto.

Narrato come un’opera più vicina alla cinematografia che all’opera seriale (“un film di 10 ore” come tiene a sottolineare spesso il regista), dove le 10 puntate si eclissano e risorgono autonome ma coese dal viaggio terreno e divino di Belardo, con una sigla iniziale che rimarrà impressa per molto nel mondo delle serie TV. The Young Pope raggiunge i livelli più alti della filmografia di Sorrentino, riprendendo ed elevando il suo riconoscibile stile barocco in una Roma estiva e nostalgica a lui così cara, passando per monologhi e aforismi tipici della sua narrazione a musiche evocative e oniriche che supportano ogni singola scena. Lo spettatore si trova così a vivere in prima persona il dramma dell’ossessione umana del papa, arrivando ad un finale rivelatore e suggestivo dove Pio XII riesce a rispondere alle domande che si era posto nel suo cammino di fede e laicità.

O almeno non ancora tutte… la recente conferma della seconda stagione riapre molti interrogativi a cui noi non vediamo l’ora di rispondere!

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Ogni giorno arrivano notizie di questo tipo: registi che dopo anni di silenzio decidono di ritornare alla ribalta, o film makers che vogliono darsi un’altra opportunità con un sequel, diventato quest’ultimo oggetto di discussioni sempre più accese e prorompenti.

Cos’è un sequel? Un appagamento del nostro desiderio di saperne di più, un bisogno forse morboso del nostro non saperci distaccare da un personaggio in cui ci siamo rivisti, o forse soltanto un semplice modo di far soldi? Alcuni credono si tratti solo di fan service, e ogni tanto è così. Ma spesso i sequel sono richiesti a gran voce dai fan, che si basano su filoni importanti della trama, e che richiedono, secondo gli appassionati, un approfondimento. Chissà che fine hanno fatto i protagonisti di ‘Harry ti presento Sally’, chissà se si amano ancora. Sono curiosità che vogliamo vedere chiarite, ed è diventata ormai consuetudine, per il mondo del cinema e della tv, vedere petizioni in cui si richiede a gran voce un sequel di qualsiasi tipo.

Rappresentano per i registi e per i fan anche un grosso rischio: vedere i propri personaggi preferiti venire storpiati, depersonalizzati, defraudati da ciò che ce li aveva fatti amare, tutto questo potrebbe farci rimpiangere di aver desiderato vedere il seguito. E’ quello che è successo per molti film, come Dirty Dancing, Mean Girls, Donnie Darko e così via. La lista è lunga, e lo stesso vale per i telefilm, come il nuovo arrivato nel mondo Netflix, Una mamma per amica.

In ogni caso, a prescindere dal risultato, i sequel servono a rispondere alla domanda: ‘e dopo cosa è successo?’. Prima di questa abbondanza di proseguimenti, come le infinite stagioni di Grey’s Anatomy, lo spettatore doveva ‘sorbirsi’ una storia imposta dall’alto, che iniziava e finiva in un determinato modo, e poteva solo fare congetture. In questi anni, il sequel è un ordine, un prerequisito di ogni cosa. Automaticamente, lo spettatore vuole di più, e spesso questo suo desiderio viene soddisfatto, a volte bene, a volte male.

Spesso deleghiamo questo nostro desiderio a chi di dovere, chiedendo a registi, sceneggiatori e attori di inscenare ancora una volta quel pezzo che ci era piaciuto tanto, in cui Sally fingeva un orgasmo di fronte a una cameriera. Fammi rivivere quella scena, chiediamo a gran voce. Ci raccontino ancora di come si sono innamorati, e se e come sono rimasti insieme quello scapestrato di Harry e l’ossessiva Sally. E’ un rischio, si sa, ma a volte il gioco vale la candela.

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